Calendrier

L’histoire d’un mec « carré » dans sa tête.

Il pleut des mains sur mon corps évoque avec justesse et finesse l’isolement, la différence et le handicap. Pour permettre aux esprits de s’ouvrir, pour mieux comprendre l’autre.

Au départ il y a des Peluches
Ensuite viennent les salutations, puis mon histoire
Avant l’Accident
Après l’Accident
Autour de l’accident comme on se réchauffe autour d’un feu
A la fin il y a des Peluches

Je suis le Fils
Je suis le Frère
Je suis l’adolescent
Je suis devenu Père
Je cherche l’Homme

C’est l’histoire d’un Accident dans une ligne droite (l’Homme-fils à 20 ans)
Qui donne suite à une succession de Virages (l’Homme solitaire à 30 ans)
Jusqu’à l’épingle nourricière (l’homme père à 40 ans)
> à partir de 10 ans et à voir en famille, tarif B

Un mot sur la Compagnie : Créée en 2012, la compagnie BICEPsuelle est résolument tournée vers les arts du cirque. Equilibriste, voltigeur, mais aussi clown, tous ses membres sont capables de jongler, entre corps et esprits, pour faire émerger des pièces bienveillantes et subtiles. Site : https://www.labassecour.com/ciebicepsuelle

Distribution :
Comédien : Damien Morin
Techniciens (en alternance) : Camille Coutant et Iris Grabedian
Musique : Didier Super, Grand corps Malade

Crédit photo :

Forme artistique hybride à la croisée des chemins entre théâtre, musique et cirque.

Des corps sur une scène. Des corps réels et fantasmés qui racontent ensemble une histoire, celle d’une jeune fille de son siècle, embrouillée, exaltée, audacieuse. Devant elle, tous les défis et les tremblements de notre monde. Elle se sent prête à y faire face. Elle part en voyage, elle se perd dans la jungle, elle se mêle à un autre corps que le sien, elle essaie, elle tombe et se relève.
Le récit du romancier et les partitions chorégraphiques des circassien.ne.s se croisent et se nourrissent mutuellement. Le cirque, la danse et le texte se retrouvent pour relater l’histoire de nos vies hâtives et furieuses, prises dans le grand vertige du temps présent.
Spectacle accueilli avec La Verrerie d’Alès, Pôle national cirque Occitanie, dans le cadre de TEMPS DE CIRQUES.
> à partir de 12 ans, tarif B

Un mot sur la Compagnie : Autour d’une amitié née à l’école de cirque de Lyon, la Cie Lapsus a été fondée en 2010 par six artistes. Elle œuvre pour un cirque sensible, esthétique et engagé. Ses spectacles dessinent une identité artistique forte, qui s’inscrit dans une continuité esthétique, avec le désir, toutefois, de ne jamais s’installer dans une zone de confort.
Site internet : Cie Lapsus

Distribution :
Lecteur : Pierre Ducrozet ,
Cirque et danse : Analía Vincent, Valérian Moutier, Stéphane Fillion,
Texte Original : Pierre Ducrozet,
Musique originale : Marek Hunhap,
Production : Cécile Imbernon/Louise Mestrallet
Administration : Alice Savatier

Production : compagnie Lapsus – Coproduction et résidence : L’Estive, scène nationale de Foix et de l’Ariège, Université Toulouse – Jean Jaurès (UT2J) dans le cadre du projet de coopération transfrontalière Travesía – Pyrénées de cirque, cofinancé par le FEDER.

Crédits photos : Cie Lapsus

Une tentative héroïque et décadente de continuer à faire voler sa mouette jusqu’à la fin.

Dans les coulisses d’un théâtre, Tchaïka une vieille actrice au crépuscule de sa vie ne sait plus ce qu’elle fait là. S’approchant d’elle, une jeune femme lui rappelle la raison de sa présence : interpréter le rôle d’Arkadina dans « La Mouette » de Tchekhov. Ce sera son dernier rôle. Sa mémoire fout le camp et si elle ne sait plus tout à fait qui elle est – pas plus que son rôle – elle entend assurer la représentation.
Dans sa déroute, fiction et réalité s’entrecroisent. Comme dans « La Mouette », Tchaïka erre entre passé et futur, entre désillusion et espoir, et elle poursuit la route, malgré la déglingue.
Ce spectacle est librement inspiré de la pièce « La Mouette » d’Anton Tchekhov.
> à partir de 12 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : Si la structure est jeune, ses fondatrices bénéficiaient déjà d’une expérience remarquable dans l’art des marionnettes. Ainsi, Natacha Belova fut costumière, scénographe avant de créer son centre de formation d’envergure européenne. Le parcours de Tita Iacobelli est similaire, avec un focus particulier sur le théâtre musical. Ainsi, le premier spectacle de la compagnie, Tchaïka, est d’ores et déjà un succès critique avec quatre nominations. Site: Cie Belova Iacobelli

Distribution :
Mise en scène Natacha Belova et Tita Iacobelli
Regard extérieur Nicole Mossoux
Scénographie Natacha Belova
Interprétation Tita Iacobelli
Assistante à la mise en scène Edurne Rankin
Assistanat à la dramaturgie Rodrigo Gijón
Assistanat à la scénographie Gabriela González
Création lumière Gabriela González, Christian Halkin
Décors : Guy Carbonnelle, Aurélie Borremans
Création sonore Gonzalo Aylwin, Simón González
Musique Simón González d’après la chanson La Pobre Gaviota de Rafael Hernández
Régie lumière et effets Franco Peñaloza
Production Javier Chávez, IFO Asbl
Teaser Simon Breeveld

Production : Ifo Asbl avec le soutien de Financiamiento del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Chili, de la Fédération Wallonie Bruxelles-arts de la scène-service interdisciplinaire. Coproduction Mars, Mons arts de la scène, Théâtre Des Martyrs, Atelier Théâtre Jean Vilar.
Le spectacle a reçu le prix du Meilleur spectacle et de la Meilleure actrice 2018 au Chili (el Círculo de Críticos de Arte de Chile) et le Prix du public pour la Meilleure mise en scène au Chili (Premios Clap).

Crédit photo : Michael Gálvez

La dérive de quatre enfants sur un fleuve.

Tout a commencé par une tempête, dans une ville au bord d’un fleuve. Une nuit, le vent s’infiltre dans les habitations, puis dans la tête des adultes qui se mettent à pleurer sans raison. Anina, une enfant de la ville, ne supporte plus les pleurs des adultes. Elle propose à Natan, son jeune voisin de partir à la recherche du vent pour trouver un remède. Deux petites jumelles se joignent à eux pour cette étonnante expédition.
> à partir de 8 ans, tarif B

Un mot sur la compagnie : la compagnie l’Hiver Nu a fait le grand saut géographique, quittant l’Île-de-France pour la Lozère et emportant avec elle des professionnels de tous les genres théâtraux, de la marionnette à l’improvisation textuelle en passant par la dramaturgie. Sauvage ou les Enfants du Fleuve est leur septième et plus récent spectacle. Site internet : Cie l’Hiver Nu

Distribution :
Conception et écriture : Compagnie L’Hiver nu
Accompagnement à l’écriture et dramaturgie : Mariette Navarro
Mise en scène et scénographie : Baptiste Etard
Jeu : Pierre Bernert, Claire Perraudeau, Thais Trulio
Marionnettes : Arnaud Louski-Pane
Construction : Anne-laure Baudin

Partenaires : Les Scènes Croisées de Lozère, le Théâtre de Mende, Le Périscope / Scène conventionnée, La Nef-Manufacture d’utopies, Mima, Pierres de gué, L’Usinotopie, le Département de la Lozère, la Région Occitanie, la DRAC Occitanie

Crédits photos : Marie Clauzade

Une rêverie réaliste sur les conditions de travail.

À BRAS LE CORPS, interroge la valeur du travail à l’aune de nos sociétés de l’hyper-flexibilité. Elle mêle matière documentaire (ici, l’expérience comme agent d’entretien d’un des acteurs de la troupe), et textes de la philosophe Simone Weil. La pièce nous plonge dans le quotidien d’une équipe d’agents d’entretien qui, « rincés » par la vie, vont malgré tout trouver l’énergie nécessaire pour faire le ménage dans leurs conditions d’existence. Un grand ménage de printemps pour retrouver de la valeur à leur travail, à leurs paroles, et surtout à leurs yeux, afin de ne laisser à personne d’autre le soin de penser à leur place, de décider de ce qui est juste, de ce qui est bien, de ce que pourrait être un travail qui ne blesse pas, qui n’humilie pas.
> à partir de 16 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : la compagnie Primesautier Théâtre s’est donnée depuis 2003 pour mission de comprendre et révéler la logique des comportements humains, et d’utiliser l’art théâtral comme outil pédagogique. Sociologie et philosophie sont convoqués pour éclairer les enjeux politiques ou sociétaux ; chacun des spectacles de Virgile Simon et Antoine Wellens est l’occasion d’étendre la pensée du public par une approche documentaire et humaniste. Site : Cie Primesautier Théâtre

Distribution :
Conception et mise en scène : Virgile Simon et Antoine Wellens
Jeu : Fabienne Augié, Amarine Brunet, Stefan Delon, Julie Minck, Virgile Simon, Jean-Christophe Vermot-Gauchy
Ecriture : Antoine Wellens, Virgile Simon et Jean-Christophe Vermot-Gauchy
Création lumière et régie générale : Nicolas Buisson
Aide au travail sonore, dessins et accessoires : Martin Marques Dos Santos
Administratrice de production : Gaëlle Mafart
Chargée de production : Émilie Barthés

Production : Primesautier Théâtre

Coproduction : Théâtre La Vignette, Scène conventionnée, Université Paul Valéry (Montpellier), Printemps des Comédiens, Montpellier, Le Périscope, scène conventionnée (Nîmes)
Accueil en résidence : Dispositif des Résidences de créations en arts vivants au Théâtre d’O, Département de l’Hérault. Le Kiasma et les Maisons de proximité de Caylus et du Devois, Castelnau-Le-Lez. La Fabrique théâtrale du Viala / Cie l’Hiver Nu et Les Scènes Croisées de Lozère, Scène conventionnée, La Baignoire (Montpellier)
Avec l’aide de la DRAC Occitanie – aide à la création théâtrale, la Région Occitanie/Pyrénées-Méditerranée et la Ville de Montpellier

Crédit photo : Fabienne Augier

Un savoureux mélange de danse, hula-hoop et théâtre aux senteurs de menthe fraîche.

Des formes, des femmes, une femme : boule à facette aux multiples ipséités. Une mémé mystérieuse qui fait tout à l’envers. Une blédarde à la poétique lumineuse, une jeune lascarde et sa part d’ombre, le tout raconté par une trentenaire un peu paumée entre ce dont elle hérite et ce dont elle s’acquiert, ce dont elle a honte et ce dont elle est fière. Une odeur de menthe fraîche embaume l’atmosphère, des cerceaux qui se transforment et défient les règles métaphysiques. Un corps qui parle de 1001 manières. Une spirale éternelle, en quête d’amour-propre, d’affirmation et de lumière. Mektoub est définitivement une auto-fiction poéticomique, aux couleurs d’ici et là-bas, un récit intime, éclectique, comme un hommage à tout ce qui compose notre soi erratique.
Spectacle accueilli avec La Verrerie d’Alès, Pôle national cirque Occitanie, dans le cadre des Pistes à Suivre.
> à partir de 7 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : La circassienne Mounâ Nemri fonde en 2018 le NOUR company, mêlant ainsi chant, danse, hula hoop et stand up théâtral pour un premier spectacle à son image, plein d’énergie de soleil et d’éclats de rire. Pour cette création, la fondatrice de la NOUR company s’est entourée de Maël Tebibi, acrobate et du chorégraphe Christophe Le Goff.
L’artiste et créatrice est la nouvelle artiste associée de la Grainerie,, Fabrique des arts du cirque et de l’itinérance située à Balma (31).
Site internet : la NOUR Company

Distribution :
Auteure-interprète : Mounâ Nemri
Regard extérieur : Maël Tebibi
Regard chorégraphique : Christophe Le Goff
La Maison des Jonglages, la Verrerie d’Alès, Espace Lino Ventura, ESACTO Toulouse, MJC Croix Daurade,
Château Neuf des Peuples, La Grainerie
Spectacle accueilli avec la Verrerie d’Alès, Pôle Nationale Cirque Occitanie, dans le cadre de TEMPS CIRQUE dans le Gard

Crédits photos : Sergio Lucien et Francis Rodor

Une évocation poétique du monde de la nuit et des rêves.

Pour bien dormir propose un univers intense et suggestif, évocateur du monde de la nuit et des ombres. La galerie de ces personnages en noir et blanc intrigue par l’étrangeté particulière qu’ils dégagent. Ils font appel aux peurs infantiles, celles de la nuit, du noir, des rêves. Quand la lumière s’éteint, le soir, dans la chambre des enfants, tout s’anime. Comme dans un rêve, les personnages qui peuplent notre imaginaire prennent vie. L’histoire ici se déploie dans un jeu amusant et poétique pour questionner ces peurs ancestrales. Comment affronter les peurs de la nuit, des ombres, du clair-obscur et de ces personnages ambigus, tout droit sortis des contes ?
Ce spectacle est pensé comme un récit visuel, une plongée dans la poésie de la rencontre avec ces êtres fantastiques, attachants et cruels, si proches de nos peurs, de nos tentations, de nos désirs.
> à partir de 3 ans, tarif C

Un mot sur la compagnie : fondée en 2012 par le professeur de beaux-arts et marionnettiste Paulo Duarte, la compagnie montpelliéraine MECANIkA utilise les arts plastiques, les nouvelles techniques d’éclairage pour dévoiler la profondeur de l’éphémère. Outre les spectacles et suivant l’ADN de son fondateur, MECANIkA attribue une large partie de son activité à la pédagogie par le bias d’ateliers et de rencontres.
Site internet : Cie Mecanika

Distribution :
Conception : Paulo Duarte, Tjalling Houkema
Interprétation : Paulo Duarte
Univers sonore et programmation : Morgan Daguenet
Création lumière et programmation : Fabien Bossard
Collaboration artistique : Igor Gandra
Remerciement : Marta Izquierdo Muñoz

Production : Mecanika

Partenaires : Mima, Mirepoix | Marionnettissimo, Tournefeuille | Le Périscope, Scène conventionnée, Nîmes | Bouillon Cube, Causse De La Selle | Usinotopie, Villemur-Sur-Tarn | Espace Périphérique, Paris | Au Bout Du Plongeoir, Thorigné-Fouillard – Rennes | Jardin Parallèle, Reims | Teatro de Ferro, Porto (Pt) | Fimp, Porto (Pt) | Théâtre des quatre saisons, Gradignan | MOMIX, kingersheim
Avec le soutien de la DRAC Occitanie, Région Occitanie / Pyrénées Méditerranée, la Région Occitanie / Pyrénées Méditérranée, SPEDIPAM et du Collectif En Jeux

Crédit photo : Paulo Duarte & Tjalling Houkema

Un spectacle immersif et multilingue pour les tout-petits.

Au début, il n’y a rien… ou presque. Il y a quand même une petite scène tout au milieu… Une petite scène ronde… Comme la terre, comme le ventre de maman. De là… il y a trois chemins qui partent tout droit… Ils partent vers un autre chemin tout rond, tout autour des enfants. Et sur ce chemin il y a des écrans tous blancs mais qui changent, qui bougent… un peu… beaucoup, avec plein d’images et de couleurs. ET, à la fin… il y a un mobile qui tourne… qui tourne au-dessus de nos têtes… avec des maisons perchées sur les branches… tout doucement… peut-être aussi un peu moins doucement…
Mobil’âme est un spectacle qui tourne autour de la maison comme repère de construction de soi.
> à partir de 6 mois, tarif C

Un mot sur la compagnie : Bettina Vielhaber et sa compagnie travaillent depuis 1994 à la création de spectacles pour les tout-petits, qui représentent selon elles le public le plus exigeant. Ce pour quoi elles s’évertuent, année après année, à s’approcher davantage de leur monde en déployant des formes de jeu adaptées. Pour ce spectacle, une scène a été créée au centre du public, pour être au plus près des spectateurs et les illuminer de poésie et d’amour.
Site internet : compagnie de l’Échelle

Distribution :
Bettina Vielhaber : marionnettiste, comédienne
Martin Mabz : musicien, comédien
Eric Godoy : projectionniste, artiste visuel
Marja Nykanen : metteuse en scène
Laurent Blanchard : créateur lumière/régisseur
Alain Richet : scénographe
Magali Leportier : costumière

Coproduction : Compagnie de l’Échelle, Théâtre Lillico Labo de recherche artistique / Scène de territoire pour l’enfance et la jeunesse, Rennes, MJC Pacé, Le Périscope / Scène conventionnée, Nîmes

Soutien : La Région Occitanie, Conseil Départemental du Gard, Le Théâtre Albarède, Ganges, La Mairie de Ribaute les Tavernes, La Compagnie du Lézard, Badaroux, SIVOM, Vrigne-Vivier, Association Aurora, Nantiat

Crédit photo : Lucile Donivard

Un spectacle immersif et multilingue pour les tout-petits.

Au début, il n’y a rien… ou presque. Il y a quand même une petite scène tout au milieu… Une petite scène ronde… Comme la terre, comme le ventre de maman. De là… il y a trois chemins qui partent tout droit… Ils partent vers un autre chemin tout rond, tout autour des enfants. Et sur ce chemin il y a des écrans tous blancs mais qui changent, qui bougent… un peu… beaucoup, avec plein d’images et de couleurs. ET, à la fin… il y a un mobile qui tourne… qui tourne au-dessus de nos têtes… avec des maisons perchées sur les branches… tout doucement… peut-être aussi un peu moins doucement…
Mobil’âme est un spectacle qui tourne autour de la maison comme repère de construction de soi.
> à partir de 6 mois, tarif C

Un mot sur la compagnie : Bettina Vielhaber et sa compagnie travaillent depuis 1994 à la création de spectacles pour les tout-petits, qui représentent selon elles le public le plus exigeant. Ce pour quoi elles s’évertuent, année après année, à s’approcher davantage de leur monde en déployant des formes de jeu adaptées. Pour ce spectacle, une scène a été créée au centre du public, pour être au plus près des spectateurs et les illuminer de poésie et d’amour.
Site internet : compagnie de l’Échelle

Distribution :
Bettina Vielhaber : marionnettiste, comédienne
Martin Mabz : musicien, comédien
Eric Godoy : projectionniste, artiste visuel
Marja Nykanen : metteuse en scène
Laurent Blanchard : créateur lumière/régisseur
Alain Richet : scénographe
Magali Leportier : costumière

Coproduction : Compagnie de l’Échelle, Théâtre Lillico Labo de recherche artistique / Scène de territoire pour l’enfance et la jeunesse, Rennes, MJC Pacé, Le Périscope / Scène conventionnée, Nîmes

Soutien : La Région Occitanie, Conseil Départemental du Gard, Le Théâtre Albarède, Ganges, La Mairie de Ribaute les Tavernes, La Compagnie du Lézard, Badaroux, SIVOM, Vrigne-Vivier, Association Aurora, Nantiat

Crédit photo : Lucile Donivard

Un spectacle immersif et multilingue pour les tout-petits.

Au début, il n’y a rien… ou presque. Il y a quand même une petite scène tout au milieu… Une petite scène ronde… Comme la terre, comme le ventre de maman. De là… il y a trois chemins qui partent tout droit… Ils partent vers un autre chemin tout rond, tout autour des enfants. Et sur ce chemin il y a des écrans tous blancs mais qui changent, qui bougent… un peu… beaucoup, avec plein d’images et de couleurs. ET, à la fin… il y a un mobile qui tourne… qui tourne au-dessus de nos têtes… avec des maisons perchées sur les branches… tout doucement… peut-être aussi un peu moins doucement…
Mobil’âme est un spectacle qui tourne autour de la maison comme repère de construction de soi.
> à partir de 6 mois, tarif C

Un mot sur la compagnie : Bettina Vielhaber et sa compagnie travaillent depuis 1994 à la création de spectacles pour les tout-petits, qui représentent selon elles le public le plus exigeant. Ce pour quoi elles s’évertuent, année après année, à s’approcher davantage de leur monde en déployant des formes de jeu adaptées. Pour ce spectacle, une scène a été créée au centre du public, pour être au plus près des spectateurs et les illuminer de poésie et d’amour.
Site internet : compagnie de l’Échelle

Distribution :
Bettina Vielhaber : marionnettiste, comédienne
Martin Mabz : musicien, comédien
Eric Godoy : projectionniste, artiste visuel
Marja Nykanen : metteuse en scène
Laurent Blanchard : créateur lumière/régisseur
Alain Richet : scénographe
Magali Leportier : costumière

Coproduction : Compagnie de l’Échelle, Théâtre Lillico Labo de recherche artistique / Scène de territoire pour l’enfance et la jeunesse, Rennes, MJC Pacé, Le Périscope / Scène conventionnée, Nîmes

Soutien : La Région Occitanie, Conseil Départemental du Gard, Le Théâtre Albarède, Ganges, La Mairie de Ribaute les Tavernes, La Compagnie du Lézard, Badaroux, SIVOM, Vrigne-Vivier, Association Aurora, Nantiat

Crédit photo : Lucile Donivard

Un voyage au pays du manque porté par les mots de Jean Cagnard.

Comment s’en sortir lorsque l’on est toxicomane ? Comment voit-on le monde ? Comment nous voit-il ? N’est-ce pas en permanence « sur le seuil », à cet endroit de mise en jeu de la vie ? Est-on jamais sûr de se réveiller et dans quel état ? Est-on jamais sûr du prochain pas ?
A travers la voix d’un résident en institution et celle de l’éducateur, grâce à la langue percutante de Jean Cagnard, nous traversons une très longue journée, peut-être infinie, pendant laquelle la vie est à la nécessité de se réinventer, parfois de façon drôle et cocasse malgré la souffrance.
Ce spectacle a obtenu le Grand Prix de Littérature Dramatique 2018 / ARTCENA et l’aide nationale à la création de textes dramatiques 2020 / ARTCENA.
> à partir de 16 ans, tarif A

Un mot sur la Compagnie : L’écrivain dramaturge Jean Cagnard (20 œuvres publiées) et la metteuse en scène Catherine Vasseur s’attachent depuis 2005 à dire les errements de notre monde avec poésie. Jean Cagnard a vécu en pays minier, au pied des usines, et ses descriptions sociales, quoique métaphoriques et poétiques, visent toujours juste.
Site internet : Cie 1057 roses

Distribution :
Conception & réalisation : Catherine Vasseur et Jean Cagnard
Mise en scène : Catherine Vasseur
Dramaturgie : Jean Cagnard
Interprétation : Julien Defaye et Vincent Leenhardt
Scénographie : Cécile Marc
Création lumière : Catherine Noden
Création musicale et sonore : Jérôme Hoffmann
Production : Hélène Sorin

Production : Compagnie 1057 Roses

Co-production : Théâtre Le Périscope – Scène conventionnée d’intérêt national – art et création pour les arts de la marionnette, le théâtre d’objets et les formes animées – Nîmes, Le Cratère – Scène Nationale d’Alès, le festival Printemps des Comédiens – Montpellier
Avec le soutien de la Chartreuse – Centre national des écritures du spectacle, Villeneuve lez Avignon, pour un accueil en résidence collective et de La Bulle Bleue, ESAT artistique et culturel, Montpellier pour un accueil en résidence

Partenaires : Artéphile – Avignon et Mix’ArtMyrys – Toulouse

Soutien : Aide à la production théâtrale de la Drac Occitanie, Aide à la création de la Région Occitanie / Pyrénées-Méditerranée. Avec le soutien aux résidences et l’aide à la création du Département du Gard

Crédit photo : Compagnie 1057 Roses

Un voyage au pays du manque porté par les mots de Jean Cagnard.

Comment s’en sortir lorsque l’on est toxicomane ? Comment voit-on le monde ? Comment nous voit-il ? N’est-ce pas en permanence « sur le seuil », à cet endroit de mise en jeu de la vie ? Est-on jamais sûr de se réveiller et dans quel état ? Est-on jamais sûr du prochain pas ?
A travers la voix d’un résident en institution et celle de l’éducateur, grâce à la langue percutante de Jean Cagnard, nous traversons une très longue journée, peut-être infinie, pendant laquelle la vie est à la nécessité de se réinventer, parfois de façon drôle et cocasse malgré la souffrance.
Ce spectacle a obtenu le Grand Prix de Littérature Dramatique 2018 / ARTCENA et l’aide nationale à la création de textes dramatiques 2020 / ARTCENA.
> à partir de 16 ans, tarif A

Un mot sur la Compagnie : L’écrivain dramaturge Jean Cagnard (20 œuvres publiées) et la metteuse en scène Catherine Vasseur s’attachent depuis 2005 à dire les errements de notre monde avec poésie. Jean Cagnard a vécu en pays minier, au pied des usines, et ses descriptions sociales, quoique métaphoriques et poétiques, visent toujours juste.
Site internet : Cie 1057 roses

Distribution :
Conception & réalisation : Catherine Vasseur et Jean Cagnard
Mise en scène : Catherine Vasseur
Dramaturgie : Jean Cagnard
Interprétation : Julien Defaye et Vincent Leenhardt
Scénographie : Cécile Marc
Création lumière : Catherine Noden
Création musicale et sonore : Jérôme Hoffmann
Production : Hélène Sorin

Production : Compagnie 1057 Roses

Co-production : Théâtre Le Périscope – Scène conventionnée d’intérêt national – art et création pour les arts de la marionnette, le théâtre d’objets et les formes animées – Nîmes, Le Cratère – Scène Nationale d’Alès, le festival Printemps des Comédiens – Montpellier
Avec le soutien de la Chartreuse – Centre national des écritures du spectacle, Villeneuve lez Avignon, pour un accueil en résidence collective et de La Bulle Bleue, ESAT artistique et culturel, Montpellier pour un accueil en résidence

Partenaires : Artéphile – Avignon et Mix’ArtMyrys – Toulouse

Soutien : Aide à la production théâtrale de la Drac Occitanie, Aide à la création de la Région Occitanie / Pyrénées-Méditerranée. Avec le soutien aux résidences et l’aide à la création du Département du Gard

Crédit photo : Compagnie 1057 Roses

Du sucre et du café pour parler de la guerre d’Espagne et de la Retirada.

Un spectacle de théâtre d’objet pour deux comédiens, la cuisine comme terrain de jeux, les objets du quotidien comme protagonistes, la table à manger devenant l’échiquier de notre histoire commune. Points de vue, idéologies et mémoire se mélangent dans le café noir des souvenirs familiaux.

Espagne, 1936. Angel, Antonio et Dolores quittent leur village d’enfance pour Barcelone avec l’espoir de meilleures conditions de vie. Face à l’effervescence de cet été-là et le début de la guerre civile, leurs chemins les emmèneront bien plus loin que ce qu’ils auraient pu imaginer. Deux frères nous racontent le parcours de leur grand-père, Angel, de ses frères et de sa sœur, dans l’Espagne en guerre, du coup d’État de Franco à l’exil vers la France. Une histoire racontée à travers leurs souvenirs de petits-fils, une histoire qui leur a été racontée et qu’ils veulent à leur tour transmettre, pour comprendre et ne pas oublier.
> à partir de 12 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : Fondée en 2008, la compagnie les Maladroits possède à son actif deux projets d’arts plastiques, trois projets culturels de territoires et cinq pièces de théâtre. Les quatre amis qui en sont à l’origine allient le théâtre d’objet à la chorégraphie, l’ensemble étant sous-tendu par une volonté d’éducation populaire.
Site internet : Cie les Maladroits

Distribution :
Idée originale : Valentin Pasgrimaud et Arno Wögerbauer
Conception et écriture collective : Benjamin Ducasse, Éric de Sarria, Valentin Pasgrimaud et Arno Wögerbauer
Jeu : Valentin Pasgrimaud et Arno Wögerbauer
Mise en scène : Compagnie les Maladroits et Éric de Sarria
Assistanat à la mise en scène : Benjamin Ducasse
Création sonore : Yann Antigny
Création lumières et régie : Jessica Hemme
Régie générale : Jeff Havart
Régie lumière et son (en alternance) : Jessica Hemme et Azéline Cornut
Technique plateau : Angèle Besson
Regard scénographique : Yolande Barakrok.
Codirectrice, administratrice et responsable de la diffusion : Isabelle Yamba
Chargée de production et de la logistique de tournée : Pauline Bardin

Coproduction : TU-Nantes

Accueils en résidences : TU-Nantes (44), Le Bouffou Théâtre à la Coque (56), La NEF, Manufacture d’utopies (93), La Fabrique Chantenay-Bellevue (44). Soutiens : la Région Pays-de-la-Loire, le Conseil Départemental de Loire-Atlantique, la Ville de Nantes. Remerciements : Le Théâtre de cuisine (Christian Carrignon et Katy Deville). La compagnie les Maladroits, compagnie de théâtre, est conventionnée par L’Etat, Ministère de la Culture, Direction régionale des affaires culturelles (DRAC) des Pays de la Loire et par le département de Loire Atlantique. Elle est soutenue par la Région Pays de la Loire et la ville de Nantes pour son fonctionnement.

Crédit photo : Damien Bossis

Épopée utopique dans un nuage de craie.

Saint-Nazaire, 1948. C’est dans une ville détruite que Colette voit le jour. La vie de Colette croisera les grands combats des années 1960 et 1970 pour le droit à l’avortement, les droits civiques et l’égalité des sexes. Il lui faudra désobéir pour s’émanciper.

Quatre camarades sondent le public. Ils s’interpellent avant que l’Assemblée Générale ne commence. Ils rappellent les règles du jeu : ce sont les comédiens qui vont rejouer l’histoire de Colette. Fiction et réalité sont imbriquées sous nos yeux entre prises de paroles et prises de pouvoir. Raconter Colette, c’est la cause commune des quatre narrateurs.

À partir d’un tas d’objets et de craies blanches, ils reconstituent son parcours initiatique. La craie trace, s’efface et s’envole à mesure que les engagements politiques et les luttes sociales prennent forme. Camarades, c’est une épopée faite de rencontres déterminantes dans une époque où tout semblait possible.
> à partir de 15 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : Fondée en 2008, la compagnie les Maladroits possède à son actif deux projets d’arts plastiques, trois projets culturels de territoires et cinq pièces de théâtre. Les quatre amis qui en sont à l’origine allient le théâtre d’objet à la chorégraphie, l’ensemble étant sous-tendu par une volonté d’éducation populaire.
Site internet : Cie les Maladroits

Distribution :
De et par : Benjamin Ducasse, Valentin Pasgrimaud, Hugo Vercelletto et Arno Wögerbauer
Collaboration artistique : Éric de Sarria
Direction d’acteurs et collaboration à la dramaturgie : Marion Solange Malenfant
Création lumières : Jessica Hemme
Régie générale : Jeff Havart
Régie lumières et son (en alternance) : Azéline Cornut et Jessica Hemme
Costumes : Sarah Leterrier
Création sonore : Erwan Foucault
Codirectrice, administratrice et responsable de la diffusion : Isabelle Yamba
Chargée de production et de la logistique de tournée : Pauline Bardin
Remerciements : Charlie Mars

Crédit photo :

Épopée utopique dans un nuage de craie.

Saint-Nazaire, 1948. C’est dans une ville détruite que Colette voit le jour. La vie de Colette croisera les grands combats des années 1960 et 1970 pour le droit à l’avortement, les droits civiques et l’égalité des sexes. Il lui faudra désobéir pour s’émanciper.

Quatre camarades sondent le public. Ils s’interpellent avant que l’Assemblée Générale ne commence. Ils rappellent les règles du jeu : ce sont les comédiens qui vont rejouer l’histoire de Colette. Fiction et réalité sont imbriquées sous nos yeux entre prises de paroles et prises de pouvoir. Raconter Colette, c’est la cause commune des quatre narrateurs.

À partir d’un tas d’objets et de craies blanches, ils reconstituent son parcours initiatique. La craie trace, s’efface et s’envole à mesure que les engagements politiques et les luttes sociales prennent forme. Camarades, c’est une épopée faite de rencontres déterminantes dans une époque où tout semblait possible.
> à partir de 15 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : Fondée en 2008, la compagnie les Maladroits possède à son actif deux projets d’arts plastiques, trois projets culturels de territoires et cinq pièces de théâtre. Les quatre amis qui en sont à l’origine allient le théâtre d’objet à la chorégraphie, l’ensemble étant sous-tendu par une volonté d’éducation populaire.
Site internet : Cie les Maladroits

Distribution :
De et par : Benjamin Ducasse, Valentin Pasgrimaud, Hugo Vercelletto et Arno Wögerbauer
Collaboration artistique : Éric de Sarria
Direction d’acteurs et collaboration à la dramaturgie : Marion Solange Malenfant
Création lumières : Jessica Hemme
Régie générale : Jeff Havart
Régie lumières et son (en alternance) : Azéline Cornut et Jessica Hemme
Costumes : Sarah Leterrier
Création sonore : Erwan Foucault
Codirectrice, administratrice et responsable de la diffusion : Isabelle Yamba
Chargée de production et de la logistique de tournée : Pauline Bardin
Remerciements : Charlie Mars

Crédit photo :

Du sucre et du café pour parler de la guerre d’Espagne et de la Retirada.

Un spectacle de théâtre d’objet pour deux comédiens, la cuisine comme terrain de jeux, les objets du quotidien comme protagonistes, la table à manger devenant l’échiquier de notre histoire commune. Points de vue, idéologies et mémoire se mélangent dans le café noir des souvenirs familiaux.

Espagne, 1936. Angel, Antonio et Dolores quittent leur village d’enfance pour Barcelone avec l’espoir de meilleures conditions de vie. Face à l’effervescence de cet été-là et le début de la guerre civile, leurs chemins les emmèneront bien plus loin que ce qu’ils auraient pu imaginer. Deux frères nous racontent le parcours de leur grand-père, Angel, de ses frères et de sa sœur, dans l’Espagne en guerre, du coup d’État de Franco à l’exil vers la France. Une histoire racontée à travers leurs souvenirs de petits-fils, une histoire qui leur a été racontée et qu’ils veulent à leur tour transmettre, pour comprendre et ne pas oublier.
> à partir de 12 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : Fondée en 2008, la compagnie les Maladroits possède à son actif deux projets d’arts plastiques, trois projets culturels de territoires et cinq pièces de théâtre. Les quatre amis qui en sont à l’origine allient le théâtre d’objet à la chorégraphie, l’ensemble étant sous-tendu par une volonté d’éducation populaire.
Site internet : Cie les Maladroits

Distribution :
Idée originale : Valentin Pasgrimaud et Arno Wögerbauer
Conception et écriture collective : Benjamin Ducasse, Éric de Sarria, Valentin Pasgrimaud et Arno Wögerbauer
Jeu : Valentin Pasgrimaud et Arno Wögerbauer
Mise en scène : Compagnie les Maladroits et Éric de Sarria
Assistanat à la mise en scène : Benjamin Ducasse
Création sonore : Yann Antigny
Création lumières et régie : Jessica Hemme
Régie générale : Jeff Havart
Régie lumière et son (en alternance) : Jessica Hemme et Azéline Cornut
Technique plateau : Angèle Besson
Regard scénographique : Yolande Barakrok.
Codirectrice, administratrice et responsable de la diffusion : Isabelle Yamba
Chargée de production et de la logistique de tournée : Pauline Bardin

Coproduction : TU-Nantes

Accueils en résidences : TU-Nantes (44), Le Bouffou Théâtre à la Coque (56), La NEF, Manufacture d’utopies (93), La Fabrique Chantenay-Bellevue (44). Soutiens : la Région Pays-de-la-Loire, le Conseil Départemental de Loire-Atlantique, la Ville de Nantes. Remerciements : Le Théâtre de cuisine (Christian Carrignon et Katy Deville). La compagnie les Maladroits, compagnie de théâtre, est conventionnée par L’Etat, Ministère de la Culture, Direction régionale des affaires culturelles (DRAC) des Pays de la Loire et par le département de Loire Atlantique. Elle est soutenue par la Région Pays de la Loire et la ville de Nantes pour son fonctionnement.

Crédit photo : Damien Bossis

Pièce chorégraphique pour deux corps.
Co-accueil TDN – Bernadette Laffont et La Maison CDCN Uzès Gard Occitanie

Deux danseuses-conteuses dévoilent le processus de création d’un projet inachevé, écartelé entre le Liban et la France. Elles en ont fait une œuvre de mémoire, en prise directe avec le réel.
La jeune chorégraphe libanaise Danya Hammoud, en duo avec Yasmine Youcef, livre un spectacle-témoignage qui relate la genèse d’un projet débuté en 2018 et resté inachevé. Des révoltes au Liban en octobre 2019 au confinement de mars 2020 ou à l’explosion récente dans le port de Beyrouth, le monde n’a cessé de bousculer le cours de leur création. Cela, jusqu’à la fermeture des frontières, pour raison sanitaire, qui a empêché la troisième interprète, Ghida Hachicho, de sortir du Liban pour venir en France la finaliser avec elles.
Danya Hammoud développe une danse où le bassin est au centre d’un mouvement axé sur la continuité. Toutes les réflexions de ces artistes sur l’Histoire et leurs propres histoires animent les mots et les gestes de ce qu’aurait dû être Sérénités. Et qui en porte toujours fièrement le titre.
> à partir de 12 ans, tarifs 4 à 11 €. Réservation auprès du TDN – Bernadette Laffont / 04.66.36.65.10 / www.theatredenimes.com

Un mot sur la compagnie : Danya Hammoud est chorégraphe et danseuse, diplômée en théâtre de l’institut des beaux-arts de Beyrouth. Elle vit et travaille à cheval entre le Liban et la France. Ses spectacles connaissent une diffusion internationale (France, Belgique, Autriche, Allemagne, Grèce, Égypte…). Parallèlement, elle dirige des ateliers d’analyse critique des arts du mouvement. Sa collègue, Yasmine Youcef, spécialiste de l’improvisation vocale et chorégraphique, est professeur de danse contemporaine.

Distribution :
De Danya Hammoud
Avec Yasmine Youcef et Danya Hammoud
Création sonore : David Oppetit
Création lumière : Abigail Fowler
Régie lumière : Marinette Buchy
Collaborations pendant le processus avec Ghida Hachicho, Marion Sage et Anne Lepère

Co-production et partenaires :
La Maison CDCN Uzès Gard Occitanie. France. / Programme Étape Danse, initié par l’Institut français d’Allemagne – Bureau du Théâtre et de la Danse, en partenariat avec la Maison CDCN Uzès Gard Occitanie / le Théâtre de Nîmes-scène conventionnée d’intérêt national – Art et Création – danse contemporaine / La Fabrik Potsdam, avec l’aide de la DGCA – Ministère de la Culture et de la Communication, et de la Ville de Potsdam / DeSingel, Anvers, Belgique / Moussem, Bruxelles. Belgique / Atelier de Paris-CDCN, France / Charleroi danse, centre chorégraphique de Wallonie – Bruxelles Belgique / ICI- CCN Montpellier-Occitanie. Direction Christian Rizzo.

Soutiens : DRAC Occitanie, Région Occitanie dans le cadre de l’aide au projet, Cité internationale des arts dans le cadre du programme de résidences de l’Institut Français, Ministère de l’Europe et des Affaires étrangères et du Ministère de la Culture

Crédit photo : Patrick Berger

Objet vivant non-identifié.

Spectacle accueilli avec La Verrerie d’Alès, Pôle national cirque Occitanie, dans le cadre des Pistes à Suivre.

VRAI c’est donner à voir un « objet spectacle » unique, vivant et mouvant. Être touché par la singularité de l’instant. Bousculé tendrement par la puissance de ce qu’il se passe, ici et maintenant, VRAIment VRAI.
Il s’agira donc d’être spectateur d’une relation imprévisible et d’un paysage intriguant, se déployant au plus près de soi, à fleur de regards, entre installation plastique et théâtre du vivant…
> à partir de 8 ans, tarif B

Un mot sur la compagnie : ce sont cinq amis circassiens, formés sur les mêmes bancs du LIDO à Toulouse. Leurs spectacles de rues et de scènes, de portée européenne, font la part belle à la jonglerie avant de s’orienter vers des spectacles tout autant cinétiques, mais plus discursifs.
Site internet : Cie Sacékripa

Distribution :
Étienne Manceau : Initiateur du projet, comédien et manipulateur
Candide : Animal et manipulateur
Sylvain Cousin : Oeil extérieur
Julien Scholl : Conseil animal
Hugo Houdin : Créateur lumière
Franck Breuil : Constructeur
Lucile Hortala : Administration 
Manon Durieux : Diffusion

Production : Compagnie Sacékripa

Coproductions et accueils en résidence : Les Tombées de la Nuit / Rennes (35), L’Hectare, Scène Conventionnée / Vendôme (41), e Carré Magique, Pôle National des Arts du Cirque en Bretagne / Lannion (22), L’Echalier / Saint Agil (41), Pronomade(s), Centre National des Arts de la Rue et de l’Espace Public / Encausses-les-Thermes (09), La Passerelle, Scène Nationale des Alpes du Sud / Gap (05), La Verrerie, Pôle National des Arts du Cirque / Alès (30), La Cité Cirque / Bègles (33), Centre Culturel Bleu Pluriel / Trégueux (22), CIRCa, Pôle National Cirque / Auch (32), Espace D’Albret / Nérac (47)

Crédit photo : Julien Vittecoq

Objet vivant non-identifié.

Spectacle accueilli avec La Verrerie d’Alès, Pôle national cirque Occitanie, dans le cadre des Pistes à Suivre.

VRAI c’est donner à voir un « objet spectacle » unique, vivant et mouvant. Être touché par la singularité de l’instant. Bousculé tendrement par la puissance de ce qu’il se passe, ici et maintenant, VRAIment VRAI.
Il s’agira donc d’être spectateur d’une relation imprévisible et d’un paysage intriguant, se déployant au plus près de soi, à fleur de regards, entre installation plastique et théâtre du vivant…
> à partir de 8 ans, tarif B

Un mot sur la compagnie : ce sont cinq amis circassiens, formés sur les mêmes bancs du LIDO à Toulouse. Leurs spectacles de rues et de scènes, de portée européenne, font la part belle à la jonglerie avant de s’orienter vers des spectacles tout autant cinétiques, mais plus discursifs.
Site internet : Cie Sacékripa

Distribution :
Étienne Manceau : Initiateur du projet, comédien et manipulateur
Candide : Animal et manipulateur
Sylvain Cousin : Oeil extérieur
Julien Scholl : Conseil animal
Hugo Houdin : Créateur lumière
Franck Breuil : Constructeur
Lucile Hortala : Administration 
Manon Durieux : Diffusion

Production : Compagnie Sacékripa

Coproductions et accueils en résidence : Les Tombées de la Nuit / Rennes (35), L’Hectare, Scène Conventionnée / Vendôme (41), e Carré Magique, Pôle National des Arts du Cirque en Bretagne / Lannion (22), L’Echalier / Saint Agil (41), Pronomade(s), Centre National des Arts de la Rue et de l’Espace Public / Encausses-les-Thermes (09), La Passerelle, Scène Nationale des Alpes du Sud / Gap (05), La Verrerie, Pôle National des Arts du Cirque / Alès (30), La Cité Cirque / Bègles (33), Centre Culturel Bleu Pluriel / Trégueux (22), CIRCa, Pôle National Cirque / Auch (32), Espace D’Albret / Nérac (47)

Crédit photo : Julien Vittecoq

Une plongée au cœur d’un territoire morcelé.

La Foutue bande est une constellation de textes sur la Palestine, un regard lointain qui tente d’approcher petit à petit son sujet et de faire le point.

La Foutue bande est une recherche impuissante qui se met à nu, un questionnement qui se précise, un feu qui s’entretient d’année en année.

La Foutue bande c’est autant de lectures que d’écriture, autant de découvertes que de désarroi, de cris que de larmes…

La Foutue bande est une écriture fragmentaire et hétéroclite, faite de formes littéraires variées (monologues, poèmes, conte, récit, chansons, sms, appel radio, cartes, etc.) et dans des registres différents (un peu drôle, un peu moins drôle, plus du tout drôle).

La Foutue bande est une métonymie, « la métonymie utilise un mot pour signifier une idée distincte mais qui lui est associée… ex : boire un verre ». Ainsi en parlant de (la bande de) Gaza, nous parlons de la Palestine (autre sorte de bande) et pourquoi pas d’autres territoires qui se morcellent, d’autres personnes qui vivent sur des territoires sur lesquels les droits ne sont pas partagés.
> à partir de 15 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : ses membres travaillent collectivement ou individuellement à esquisser des moments théâtraux, des objets scéniques, des éléments aptes à enrichir une palette sonore et musicale au service des textes poétiques et multiformes d’Yvan Corbineau.
Site internet : Cie Le 7 au Soir

Distribution :
Costumes : Sara Bartesaghi Gallo
Scénographie et visuels : Zoé Chantre
Texte et jeu : Yvan Corbineau
Régie plateau et construction : Laura Cros
Dispositifs scéniques : Balthazar Daninos
Mise en scène : Elsa Hourcade
Jeu : Judith Morisseau
Lumière et contruction : Thibault Moutin
Musique, claviers et oud : Jean-François Oliver
Musique, chant, rap et beatbox : Osloob
Diffusion et production : Christelle Lechat
Régisseur général : Thibault Moutin
Administration et production : Baptiste Bessette

Co-production : TJP – CDN d’Alsace / Strasbourg (67), Culture commune – scène nationale du bassin minier / Pas de Calais (62), Les passerelles – scène Paris-Vallée de la Marne / Pontault-Combault (77)

Soutiens : L’espace périphérique (75), Maison mazette (72), Le tas de sable – Ches panse verte (80), Odradek – Cie Pupella-Noguès (31), La dérive (29), La saillante (63), La cave poésie (31), Mix’art Myrys(31), éditions Un thé chez les fous (31)

Crédit photo : Thierry Caron

Rêverie musicale au fil de l’eau.

Quelques gouttes, vaporisées, en suspension, brume légère où s’accroche un nuage, la courbe d’un arc-en-ciel qui passe…
Narration sensible, colorée et musicale, par la force de l’image combinée au sonore.
Temps de rêveries et d’émerveillement d’où émergent des personnages tels de petits poèmes visuels qui dilatent le temps et nous racontent les formes de l’eau.
La Dignité des Gouttelettes fait de l’Eau un sujet rendu poétique, et appuie le lien essentiel de l’eau et du vivant, avec une pertinence légère et claire pour s’adresser aux Petit·e·s Citoyen·ne·s du monde…
> à partir de 1 an, tarif C

Un mot sur la compagnie : avec 9 spectacles créés depuis plus de 12 ans, la compagnie Merci mon Chou développe son ambition de tisser danse, musique, arts plastiques et marionnettes pour éveiller les jeunes enfants et les mener à la découverte de leurs premières émotions artistiques. La compagnie conduit des actions pédagogiques dans des lieux d’accueil de la petite enfance, et nourrit ainsi ses productions d’une nécessaire tendresse.
Site internet : Cie Merci mon Chou

Distribution :
Création-Interprètes : Anna Thibaut, Sébastien Fenner
Costumes : Anna Thibaut
Scénographie : Sébastien Fenner
Création lumière : Michel-Luc Blanc
Composition musicale : Arthur Daygue
Regard chorégraphique : Soledad Zarka
Plasticien numérique : Thomas Pénanguer

Coproductions et accueils en résidence : Artistes accompagnés de 2020 à 2022 L’Archipel – Scène Nationale de Perpignan (66) // Scène Nationale d’Albi (81) // Centre Culturel d’Alenya (66) // Dispositif Cerise – MIMA (09), Marionnettissimo (31), L’Usinotopie (31) // Le Totem – Scène Conventionnée Enfance et Jeunesse – Avignon (84)

Soutiens et accueils en résidence : Odyssud – Scène Conventionnée – Blagnac (31) // La Cigalière – Sérignan (34) // Théâtre de L’Usine – Saint-Céré (46)

Institutions : Département des Pyrénées Orientales (66) // DRAC et Région à confirmer après retour des dossiers déposés

Crédit photo : J. Dayon

Rêverie musicale au fil de l’eau.

Quelques gouttes, vaporisées, en suspension, brume légère où s’accroche un nuage, la courbe d’un arc-en-ciel qui passe…
Narration sensible, colorée et musicale, par la force de l’image combinée au sonore.
Temps de rêveries et d’émerveillement d’où émergent des personnages tels de petits poèmes visuels qui dilatent le temps et nous racontent les formes de l’eau.
La Dignité des Gouttelettes fait de l’Eau un sujet rendu poétique, et appuie le lien essentiel de l’eau et du vivant, avec une pertinence légère et claire pour s’adresser aux Petit·e·s Citoyen·ne·s du monde…
> à partir de 1 an, tarif C

Un mot sur la compagnie : avec 9 spectacles créés depuis plus de 12 ans, la compagnie Merci mon Chou développe son ambition de tisser danse, musique, arts plastiques et marionnettes pour éveiller les jeunes enfants et les mener à la découverte de leurs premières émotions artistiques. La compagnie conduit des actions pédagogiques dans des lieux d’accueil de la petite enfance, et nourrit ainsi ses productions d’une nécessaire tendresse.
Site internet : Cie Merci mon Chou

Distribution :
Création-Interprètes : Anna Thibaut, Sébastien Fenner
Costumes : Anna Thibaut
Scénographie : Sébastien Fenner
Création lumière : Michel-Luc Blanc
Composition musicale : Arthur Daygue
Regard chorégraphique : Soledad Zarka
Plasticien numérique : Thomas Pénanguer

Coproductions et accueils en résidence : Artistes accompagnés de 2020 à 2022 L’Archipel – Scène Nationale de Perpignan (66) // Scène Nationale d’Albi (81) // Centre Culturel d’Alenya (66) // Dispositif Cerise – MIMA (09), Marionnettissimo (31), L’Usinotopie (31) // Le Totem – Scène Conventionnée Enfance et Jeunesse – Avignon (84)

Soutiens et accueils en résidence : Odyssud – Scène Conventionnée – Blagnac (31) // La Cigalière – Sérignan (34) // Théâtre de L’Usine – Saint-Céré (46)

Institutions : Département des Pyrénées Orientales (66) // DRAC et Région à confirmer après retour des dossiers déposés

Crédit photo : J. Dayon

Une revisite des scènes mythiques du strip-tease dans l’histoire du cinéma.

Deux femmes sont sur un plateau TV. L’une, jeune réalisatrice dont le premier long-métrage vient d’être censuré par le Ministère de la Culture, l’autre, intervieweuse qui questionne, écoute et accueille sa parole. Ensemble elles mêlent l’histoire du strip-tease et sa représentation au cinéma, des années 20 à aujourd’hui. Les deux jeunes femmes se dévoilent intimement en abordant des sujets tels que la création, l’influence du cinéma sur la société ou encore la censure.
À la manière de la célèbre émission des années 60-70 Discorama, Du strip au Tease nous téléporte en direct d’un huit-clos intimiste.
> à partir de 16 ans, tarif D. Réservation à l’adresse reservation@theatreleperiscope.fr / Lieu précisé lors de la réservation.

Un mot sur la compagnie : fondée en 2016 par l’architecte montpelliéraine Julie Benegmos, Libre Cours convoque le théâtre et le cinéma, les objets littéraires et les jeux vidéos, les documentaires et la danse autour de thème centraux comme la mémoire, l’oubli.
Site internet : Cie Libre Cours

Distribution : Mise en scène et interprétation par Julie Benegmos et Marion Coutarel
Coproduction : le Kiasma, la Scène Nationale de Sète, le Sorano, le Théâtre des 13 Vents – CDN de Montpellier, le Réseau Puissance 4
Soutien : DRAC Occitanie, Région Occitanie, Ville de Montpellier
Partenariats : Le 104 – Paris, Le grand parquet – Théâtre Paris Villette, le Théâtre de la Cité – CDN de Toulouse

Crédit photo : Aneymone Wilhelm

Les émois de la terre racontés par des personnages aux figures d’argile.

Spectacle proposé dans le cadre de la journée mondiale de la Marionnette – HORS LES MURS

L’un est grand et maladroit,
L’autre est précis et droit,
On les surnomme bambou et frêne.

Inspiré des mouvements des potiers passés au crible du théâtre gestuel, ce duo burlesque modèle des marionnettes d’argile. De cet artisanat naissent les figures d’un bestiaire fantastique où l’homme et la Terre se mêlent et se démêlent, se forment et se déforment jusqu’à la rupture. Ce théâtre de matière interroge avec poésie la résilience de la Terre et le rapport qu’entretient l’homme avec celle-ci.
> à partir de 6 ans, GRATUIT. Réservation à l’adresse reservation@theatreleperiscope.fr / En escapade, lieu précisé lors de la réservation.

Un mot sur la compagnie : Depuis 2005, le Poisson Soluble mêle théâtre de matière et langage dramatique pour concevoir des formes artistiques effervescentes. La compagnie a produit six spectacles sur les thèmes de la différence, l’écologie, la spéculation immobilière.
Site internet : Cie le Poisson Soluble

Distribution :
Mise en scène | Fabrio Ezechiele Sforzini
Comédiens manipulateurs
Sébastien Dehaye et François Salon
Régisseur | David Auvergne
Scénographe | Delphine Lancelle
Créateur sonore | Jacques Rossello
Créateurs lumière | David Auvergne et François Salon

Crédit photo : Jean-Jacques Abadie

L’envers du Strip-tease.

Le club de strip-tease, fruit de la société de consommation, alimente de nombreux fantasmes et nourrit tout un imaginaire paradoxalement fondé sur les stéréotypes pornographiques.
Mais on ne se doute pas que c’est en premier lieu, un monde où hommes et femmes se découvrent et se rencontrent.
Ce sont ces femmes et ces hommes que ce projet décrit. Au travers d’interviews et de témoignages réels d’hommes et de femmes, Strip : Au risque d’aimer-ça restitue la parole et les points de vues de tous ceux qui traversent un jour l’expérience du club de strip-tease. Il donne au public la possibilité d’être totalement immergé dans ce lieu.
Fondé sur une expérience vécue, ce projet crée un parcours immersif dans le milieu du strip-tease. Immersion sonore, performance théâtrale et plongée virtuelle dans les cabines privées d’un Strip Club, vous spectateur, serez peu à peu, étape par étape, acteur jusqu’à prendre vous-même la place de la strip-teaseuse.
> à partir de 16 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : fondée en 2016 par l’architecte montpelliéraine Julie Benegmos, Libre Cours convoque le théâtre et le cinéma, les objets littéraires et les jeux vidéos, les documentaires et la danse autour de thème centraux comme la mémoire, l’oubli.
Site internet : Cie Libre Cours

Distribution :
Sur une idée « vécue » de Julie Benegmos
Mise en scène et interprétée par Julie Benegmos et Marion Coutarel
Interviews des stripteaseuses filmées par Julie Benegmos
Scénographie et costumes : Aneymone Wilhelm
Univers Musical : Emmanuel Jessua
Création Lumière : Anne Vaglio

Regards extérieurs :
Maxime Arnould – Metteur en scène 
Nicolas Herredia – Metteur en scène 
Elodie Padovani – Danseuse de pole dance

Co-production : Le Kiasma_Castelnau-le-Lez, /Théâtre Molière_ Scène Nationale de Sète / Théâtre des 13 Vents_ CDN de Montpellier / Réseau Puissance Quatre : Théâtre Sorano à Toulouse / CDN de Tours / Théâtre Universitaire de Nantes / Théâtre 13 à Paris / Collectif en Jeux

Partenaires : Le Cent quatre, Paris / Théâtre de la Cité _ CDN de Toulouse / Le Grand Parquet _ Théâtre de la Villette

soutien : Ce spectacle reçoit le soutien d’Occitanie en Scène dans le cadre de son accompagnement au Collectif En Jeux

Crédit photo :

L’envers du Strip-tease.

Le club de strip-tease, fruit de la société de consommation, alimente de nombreux fantasmes et nourrit tout un imaginaire paradoxalement fondé sur les stéréotypes pornographiques.
Mais on ne se doute pas que c’est en premier lieu, un monde où hommes et femmes se découvrent et se rencontrent.
Ce sont ces femmes et ces hommes que ce projet décrit. Au travers d’interviews et de témoignages réels d’hommes et de femmes, Strip : Au risque d’aimer-ça restitue la parole et les points de vues de tous ceux qui traversent un jour l’expérience du club de strip-tease. Il donne au public la possibilité d’être totalement immergé dans ce lieu.
Fondé sur une expérience vécue, ce projet crée un parcours immersif dans le milieu du strip-tease. Immersion sonore, performance théâtrale et plongée virtuelle dans les cabines privées d’un Strip Club, vous spectateur, serez peu à peu, étape par étape, acteur jusqu’à prendre vous-même la place de la strip-teaseuse.
> à partir de 16 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : fondée en 2016 par l’architecte montpelliéraine Julie Benegmos, Libre Cours convoque le théâtre et le cinéma, les objets littéraires et les jeux vidéos, les documentaires et la danse autour de thème centraux comme la mémoire, l’oubli.
Site internet : Cie Libre Cours

Distribution :
Sur une idée « vécue » de Julie Benegmos
Mise en scène et interprétée par Julie Benegmos et Marion Coutarel
Interviews des stripteaseuses filmées par Julie Benegmos
Scénographie et costumes : Aneymone Wilhelm
Univers Musical : Emmanuel Jessua
Création Lumière : Anne Vaglio

Regards extérieurs :
Maxime Arnould – Metteur en scène 
Nicolas Herredia – Metteur en scène 
Elodie Padovani – Danseuse de pole dance

Co-production : Le Kiasma_Castelnau-le-Lez, /Théâtre Molière_ Scène Nationale de Sète / Théâtre des 13 Vents_ CDN de Montpellier / Réseau Puissance Quatre : Théâtre Sorano à Toulouse / CDN de Tours / Théâtre Universitaire de Nantes / Théâtre 13 à Paris / Collectif en Jeux

Partenaires : Le Cent quatre, Paris / Théâtre de la Cité _ CDN de Toulouse / Le Grand Parquet _ Théâtre de la Villette

soutien : Ce spectacle reçoit le soutien d’Occitanie en Scène dans le cadre de son accompagnement au Collectif En Jeux

Crédit photo :

Que pourrait-t-il se passer le premier jour où les artistes et les spectateurs retourneront au théâtre ?

Catherine Froment, autrice et performeuse, a été frappée de sidération, comme beaucoup d’entre nous lors du premier confinement. Pour en sortir, elle décide de saisir à bras le corps cet état de déstabilisation en imaginant cette performance. Catherine Froment invente sous nos yeux la réouverture des salles de spectacles à travers cette pièce-conte de fée moderne – hantée par les fantômes du théâtre réels ou virtuels. Nous sommes entraînés dans ce texte au rythme « allegro vivace » mêlé à un rire qui nous ramène à chaque instant à la vie.
> à partir de 14 ans, tarif A

Un mot sur la Compagnie : Catherine Froment est auteure, metteuse en scène, performeuse. Depuis 2005, son œuvre appelle à explorer toutes les facettes de notre psyché et de de notre vie quotidienne avec toutes les formes de langage. A ce titre, Catherine Froment a recherché comment adapter le théâtre pour les malvoyants ou les patients atteints de la maladie d’Alzheimer. Elle est également enseignante au sein du master « Nouvelles écritures de la scène » à l’Université Toulouse-Jean Jaurès.
Site : Catherine Froment – Dans le Sens Opposé

Distribution :
Autrice, Interprétation : Catherine Froment
Regard extérieur : Séverine Astel
Création sonore : Aline Loustalot
Création Lumière : Carole China
Costumière : Sohuta
Chorégraphie: Biño Sauitzvy
Production : Dans le Sens Opposé
Coproducteurs : La Galerie Chorégraphique Carcassonne, le Théâtre Garonne Toulouse, le Ring Scène Périphérique, l’Atelier de Dimanche Porto-Vecchio
Soutiens : DRAC Occitanie, Région Occitanie, Conseil Départemental de la Haute-Garonne, Mairie de Toulouse

Crédit photo : J.P. Montagné

À la découverte d’un personnage transgenre et exubérant à travers un récit musical aux allures de cabaret.

HEN est un personnage plein de vie, exubérant, diva enragée et virile à talons qui s’exprime en chantant l’amour, l’espoir, les corps, la sexualité avec liberté.
HEN est une créature chimérique qui peut muer, grâce à un corps pouvant se transformer, se mélanger avec sarcasme et ironie au gré de ses envies.
C’est avec humour et dérision et au travers de ses chansons pour la plupart originales que HEN se raconte dans un récit musical inspiré des cabarets berlinois des années 30 ou de la scène performative queer actuelle.
Deux musiciens accompagnent HEN dans son cabaret déjanté, champêtre et insolent.
HEN (que l’on peut prononcer Heune) est un pronom suédois entré dans le dictionnaire en 2015 permettant de désigner indifféremment un homme ou une femme.
> à partir de 15 ans, tarif A

Un mot sur la compagnie : artiste associé à la scène nationale de Clermont-Ferrand, Johanny Bert a su fédérer depuis 2008 des talents pluriels et internationaux : musiciens, clown, acrobates, marionnettiste pour nous proposer un théâtre intelligent, singulier, alliant avec maestria objets et chanson.
Site internet : Cie Théâtre de Romette

Distribution :
Conception, mise en scène : Johanny Bert
Acteurs marionnettistes : Johanny Bert (voix de HEN) et Anthony Diaz
Musiciens en scène : Guillaume Bongiraud (violoncelle électro-acoustique), Cyrille Froger (percussionniste)
Auteurs-compositeurs pour la création : Marie Nimier, Prunella Rivière, Gwendoline Soublin, Laurent Madiot, Alexis Morel, Pierre Notte, Yumma Ornelle et une reprise de Brigitte Fontaine
Fabrication des marionnettes : Eduardo Felix
Lifting HEN : Cyril Vallade
Création costumes : Pétronille Salomé
Production : Théâtre de Romette
Coproductions : Le Bateau Feu – Scène Nationale Dunkerque, La 2Deuche – Lempdes
Partenaires : la Cour des Trois Coquins – scène vivante de Clermont-Ferrand, Le Mouffetard – Théâtre des arts de la marionnette à Paris, Le Carreau du Temple à Paris – Accueil studio
Le Théâtre de Romette est implanté à Clermont-Ferrand, à La Cour des Trois Coquins – scène vivante et est associé à la Maison des Arts du Léman de Thonon-Evian-Publier. La compagnie est conventionnée par la DRAC Auvergne-Rhône-Alpes, la Région Auvergne-Rhône-Alpes et la Ville de Clermont- Ferrand. Johanny Bert est artiste compagnon au Bateau Feu, Scène Nationale de Dunkerque.

Crédit photo : Christophe Raynaud de Lage

Une métaphore onirique sur la différence.

Petite n’est pas comme les autres. Fantasque, bourrée de tics, elle a une élocution étrange et essuie les moqueries de ses camarades. Elle vit avec Grand, son frère, et leur mère. Quand ce soir-là, la mère rentre du travail, elle est exténuée. Croyant ses enfants endormis, elle téléphone à une amie et confie, désespérée, ses difficultés à élever sa fille. Mais Petite entend la conversation…

Largement inspiré du Petit poucet et d’Hansel et Gretel, Une forêt mêle le réalisme au conte et à la métaphore. Il aborde les thématiques comme la différence, l’abandon, la relation frère-sœur, l’univers de la forêt vu comme une échappatoire à la société et à la norme.
> à partir de 7 ans, tarif B

Un mot sur la compagnie : la montpelliéraine Félicie Artaud (le Joli Mai) collabore avec la structure belge Agnello pour nous offrir une belle écriture de plateau, laissant la part belle à l’expérimentation scénique et à l’expression improvisée.
Site internet : Cie le Joli Mai

Distribution :
Conception et mise en scène : Félicie Artaud
Interprétation :
Petite : Jess Avril
Grand : Tom Geels
la Mère, l’Ogre : Mathilde Lefèvre
Scénographie, costumes : Claire Farah
Création sonore et régie générale : Antoine Blanquart
Lumières : Claire Eloy
Collaboration artistique : Sarah Fourage
Construction : Guy Carbonnelle, Claire Farah, Antoine Blanquart
Couture : Patricia Coppé, Cathy Sardi
Adaptation LSF : Marie Lamothe, Carlos Carreras

Coproduction : compagnies Joli Mai (France) et Agnello (Belgique). Coproduit par le Domaine d’Ô (Montpellier), le Théâtre Jean Vilar (Montpellier), le Théâtre d’Esch-sur-Alzette (Grand-Duché du Luxembourg), Pierre de Lune, Centre Scénique Jeunes Publics de Bruxelles, le Collectif En jeux (Occitanie), le Théâtre Molière-Sète, scène nationale archipel de Thau (Sète), La Ligue de l’enseignement (Spectacles en recommandé), l’Espace culturel Ronny Coutteure (Grenay)

Soutiens : Direction Régionale des Affaires Culturelles Occitanie, la Région Occitanie, Aide à la résidence de la Ville de Montpellier, Maison Louis Jouvet / ENSAD (Ecole Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier Languedoc Roussillon) et d’Occitanie en Scène dans le cadre de son accompagnement au Collectif En jeux, Fédération Wallonie-Bruxelles, Service Général de la Création Artistique – Direction du Théâtre et de Wallonie-Bruxelles Théâtre Danse

Crédit photo : Arnaud Perrel, Antoine Blanquart

Déambulatoire performatif et contemplatif pour un clown et un·e plasticien·ne.
ESCAPADE – Hors les murs, en co-accueil avec le théâtre Christian Ligier

En douceur ça serait bien, dans un éclat de rire encore mieux. Ça fait quand même un peu peur. Vous êtes attendus, pour ce qui nous attend tous, vous pouvez rater le début mais la fin ne s’écrira pas sans vous. Les présentations faites, les au-revoirs s’annoncent.
Marchons et causons. Conjuguons « avoir été » au futur.
Qu’advienne notre commun de mortels. Faisons société autour de lui.
Qui ? Le Mort.
Un croque-mort nous guide pour une marche dans le vide, il fait les présentations, orchestre les au-revoirs, nous accompagne dans cet entre-deux, quand le corps passe du mort au défunt.
> à partir de 14 ans, gratuit. Réservation à l’adresse reservation@theatreleperiscope.fr / Lieu précisé lors de la réservation.

Un mot sur la Compagnie : le projet de Microsillon ? Nous interpeller sur les questions de lien social, de solitude avec une écriture tranchante non dénuée d’humour. Depuis 2006, ses fondateurs Boris Arquier et Patricia Marinier pratiquent le jeu clownesque, avec un grand soin porté à l’ambiance sonore.
Site internet : Cie Microsillon

Distribution :
Auteure – Metteuse en scène : Patrica Marinier
Comédien.ne : Claude Veysset et Boris Arquier
Régie : Grégoire Tacussel
Montage sonore : Adrien Meulien
Costumes : Magali Bilbao
Photographe : Célénie Peteau
Construction accessoires : Jeff Perreau

Coproductions et résidences : La Filature du Mazel (30), La Filature du Pont de Fer (30), Résidence de territoire dans le domaine des écritures scéniques contemporaines (Département du Gard, DRAC Occitanie), Festival d’Olt – Rude Boy Crew (48), La Vache qui Rue (39), Théâtre Christian Liger (30)

Crédit photo : Patricia Marinier

L’histoire d’une chanson en construction, une pièce musicale et visuelle pour un musicien et une chanteuse. Spectacle co-accueilli dans le cadre du Festival DELCO

Au centre d’un plateau en suspension, le musicien joue d’instruments électroniques (claviers synthétiseurs, guitare basse, séquenceurs, table de mixage, modules d’effets). À distance, la chanteuse actionne les fils de dispositifs sonores suspendus tout autour du musicien.

Le musicien s’empare des sons des dispositifs qu’elle manipule. Il les absorbe en les captant au micro pour les fixer, les transformer, les garder en mémoire et les injecter dans sa musique. Ces deux-là se tournent autour en musique, se cherchent bruyamment, se provoquent à coups de sons, ils en font leur chanson.
> à partir de 13 ans, tarif B

Un mot sur la compagnie : Ce qui caractérise indéniablement les travaux de cette compagnie, c’est le fait qu’elle propose un théâtre de phénomènes, au sens physique, causal, du terme. Mécanismes, machines, dispositifs, tous ces acteurs désincarnés sont déviés de leurs chemins programmés par des acteurs en chair et en os, eux. Créée en 1988 dans un site de fabrication de décors, la compagnie les Ateliers du Spectacle mène également des actions pédagogiques auprès des scolaires sur des sujets scientifiques.
Site internet : Cie les Ateliers du Spectacle

Distribution :
Conception : Jean Pierre Larroche, Émile Larroche, Neysa Barnett et Serge Dutrieux et la complicité de Léo Larroche
Avec sur scène : Neysa Barnett & Émile Larroche
Lumières : Jean Yves Courcoux
Son : Julien Fezans
Construction du dispositif : Jean Pierre Larroche, Etienne Tortosa, Emilien Diaz
Administration – production – diffusion : Charlène Chivard, Laurène Bernard, Marie-Anne Bernard

Production : la compagnie Les ateliers du spectacle
Coproduction : Les Transversales – Scène conventionnée cirque de Verdun, Athénor Scène Nomade – Centre National de Création Musicale – Saint-Nazaire
Soutien : Anis Gras – Le lieu de l’autre – Arcueil. La compagnie est conventionnée par le Ministère de la culture – DRAC Île-de-France et par la Région Île-de-France

Crédit photo : Compagnie les ateliers du spectacle

Un jeu de rôles aux allures de « Nuit Debout ».
ESCAPADE Hors les murs

Nous sommes les membres fondateurs du « mouvement », enfin nous n’avons pas encore vraiment de nom… Nous nous définissons comme un mouvement d’éducation populaire, sorte de mixte des « Nuits debout », d’associations type ATTAC et des mouvements des années 60.

Nous voulons éveiller les consciences, pousser le peuple à agir. Notre arme, le théâtre. Nous avons de la volonté, nous avons des idées, nous avons réfléchi à des déclencheurs artistiques pour libérer la parole, mais voilà nous sommes nous, plein de fragilités, d’espoir et de maladresse. On doit faire quelque chose, mais quoi ? Comment ? La parole est libre…
> à partir de 12, GRATUIT. Réservation à l’adresse reservation@theatreleperiscope.fr / Lieu précisé lors de la réservation.

Un mot sur la Compagnie : Besançon est le berceau de cette compagnie, mais aussi le creuset de contestations sociales exemplaires (pensez aux fermetures de Lip, Timex, Weil, qui ont ressuscité le concept d’autogestion en France). Ce terreau nourrit la volonté d’éducation populaire des membres de la troupe, ainsi que leur refus d’appartenir à l’intelligentsia artistique. « Nous ne voulons pas du positionnement de l’artiste, au dessus de la mêlée, témoin attentif de son histoire ou de l’Histoire », telle est la profession de foi des animateurs-militants d’À demain j’espère.
Site internet : Cie à Demain j’espère

Distribution : Création collective de et avec Olivia David-Thomas, Catherine Fornal, Martine Girol, Martin
Lardé, Fabien Thomas
Production : Cie Gravitation/ Cie A demain j’espère
Coproduction : l’Abattoir CNAREP de Chalon/Saône//Animakt, lieu de fabrique pour les arts de la rue, de la piste, et d’ailleurs// l’Atelline, lieu d’activation arts et espace public//La Vache qui Rue, lieu de fabrique pour artistes de rue

Crédit photo : Pascale Négri

L’histoire d’un monde où l’homme et la nature seraient sur un même pied d’égalité.
ESCAPADE, Hors les murs

Imaginez un monde dans lequel les hommes et femmes politiques préféreraient faire le guet pendant des heures pour observer les oiseaux rares et aller chasser le coati avec les Indiens d’Amazonie plutôt que l’exercice du pouvoir ; un monde où les dirigeants préféreraient s’occuper de leur potager et se rendre à leurs rendez-vous internationaux à vélo plutôt qu’en voiture pour éviter d’écraser les hérissons même si cela doit leur prendre des mois ; où les plantes et les animaux auraient les mêmes droits que les humains au point que la légalisation de l’union libre et consentie entre un homme et une papaye, par exemple, puisse être une question sérieusement débattue.
Un monde où l’opposition nature/culture serait abolie et où la pensée dominante pencherait du côté de l’animisme.
> à partir de 14 ans, GRATUIT. Réservation à l’adresse reservation@theatreleperiscope.fr / Lieu précisé lors de la réservation.

Un mot sur la Compagnie : Bouillonnants d’énergie, les spectacles des Philosophes Barbares débordent des catégories théâtrales usuelles. Transhumanisme, conquête spatiale, écologie : les enjeux du XXI° siècle n’échappent pas au regard critique des généreuses marionnettes de Juliette Nivard et de Glenn Cloarec. Si « l’habit ne fait pas le moine » (originellement « barba non facit philosophum » – la barbe ne fait pas le philosophe), l’art recompose le monde…
Site internet : Cie les Philosophes Barbares

Distribution :
Mise en scène : Juliette Nivard
Auteur : Alessandro Pignocchi
Conseils dramaturgiques : Camille Khoury
Assistante mise en scène : Lucie Vieille-Marchiset
Comédiens-marionnettistes : Glenn Cloarec, Marion Le Gourrierec, Mélodie Pareau et Vincent Bacuzzi
Composition musicale : Stanislas Trabalon
Costumière : Paola-Céleste Hueur
Constructrice marionnettes : Jo Smith
Coproduction : Festival Graines de Rue (compagnie associée au festival saison 20/21) – Bessines sur Gartempe, le Périscope scène conventionnée pour les arts de la marionnette et les formes animées – Nîmes, festival MiMa – Mirepoix, festival Marionnettissimo – Tournefeuille, L’Estive/Scène Nationale de Foix & Les Fabriques RéUniES : Musicalarue – Luxey, Lacaze aux sottises – Orion, Sur le Pont – CNAREP La Rochelle

Crédit photo : Juliette Nivard